Le blog d'une choriste parisienne vagabonde

Il y avait hier soir un concert de l'Académie à l'opéra Garnier, intitulé "Scènes d'opéra". J'étais allée

à un concert similaire l'an dernier avec grand plaisir, et avais pu acheter un billet d'occasion

pour celui-ci (ma présence à l'opéra deux soirs de suite est le fait du hasard de la revente des billets).

Voici le billet et l'attestation d'achat, puisque le billet n'était pas à mon nom.

La place était située dans les 3è loges de face, au 3è rang. Je m'étais trompée d'une demi-heure dans l'horaire

(c'était à 20h et non à 20h30 comme je croyais), et arrivai in-extremis, la loge était pleine, il ne manquait plus que moi.

Ma voisine la plus proche cependant, une jeune femme étrangère disparut peu avant le début du concert et ne revint pas,

ce qui me laissa deux places à disposition.Ci-dessous, la vue depuis ma place avant le spectacle:

Le programme se composait de 7 extraits d'opéras, dont tous m'étaient connus par le nom,

mais dont je n'ai, musicalement, reconnu que deux, le premier et le dernier. La soirée aura

donc eu un bénéfice culturel certain dans l'accroissement de mes connaissances!

Nous avons donc entendu en ouverture "Les joyeuses commères de Windsor" d'Otto Nicolai, puis

un extrait des "Capulets et Montaigus" de Vincenzo Bellini, acte I scène 2, où deux soprani

interprétaient Roméo et Juliette (il semble que ce soit usuel, et qu'il n'y ait eu qu'une exception notable à cette

règle: Claudio Abbado faisant chanter Roméo par un ténor en 1966), puis un extrait de "Martha", opéra

comique de Friedrich von Flotow, dont l'acte II fut chanté par quatre solistes des deux sexes.

Pendant l'entracte, j'allai quérir un Schweppes à la buvette, deux étages au dessous, qui servait plutôt du champagne,

mais le Scwheppes (qui contient du quinquina) est meilleur pour les enrhumés, et je présentais un gros rhume!

Puis je fis un tour par les salons extravagants, et ce qui semblait avoir été une salle de bal somptueuse.

La deuxième partie du concert était composée de quatre extraits d'opéras. Le premier était l'acte I

scène 4 de "Béatrice et Bénédict" d'Hector Berlioz, un duo amoureux, le second, l'acte II scène 2

de l'"Elixir d'amour" de Gaetano Donizetti, un autre duo amoureux, le troisième plusieurs extraits

enchaînés d'"Ariane à Naxos" de Richard Strauss, avec 7 personnages, et l'extrait final était

l'acte III des "Contes d'Hoffmann" de Jacques Offenbach, que j'ai vu l'an dernier à l'Opéra Bastille

et qui était bien frais dans ma mémoire, l'acte où Antonia est tentée par le Diable qui lui envoie

des visions de sa mère lui demandant de chanter alors que cela la tuera.

Le concert était interprété par l'Orchestre national de l'Opéra de Paris, sous la direction de

Patrick Lange, que l'on voit sur la photo ci-dessus, au milieu des solistes, qui étaient les chanteurs

de l'Académie de l'Opéra national de Paris. Une belle soirée de musique du XIXè siècle

(Ariane à Naxos est un peu plus tardif, de 1914) dans un monument exceptionnel de la même époque,

et l'occasion d'apprécier la relève lyrique et de découvrir des oeuvres moins jouées.

Quand je vais à l'opéra Garnier, je suis toujours frappée par les deux populations qui s'y côtoient sans se mêler:

celle qui boit du champagne dans les salles magnifiques du premier étage, et celle qui pique-nique à l'entracte

aux 3è et 4è étages d'une friandise tirée du sac. J'appartiens à la deuxième catégorie, mais plutôt parce qu'il serait

triste de boire du champagne seule! J'apprécie aussi l'émerveillement des auditeurs de la toute première fois,

ceux qui s'extasient sur tout, les Français et les autres  (et il y a matière à s'extasier, au Palais Garnier!)

Le concert s'est terminé vers 22h10, et nous sommes ressortis en rangs serrés de l'opéra.

Sylvie, blogmestre

C'était le nom poétique du concert de l'Orchestre national d'Ile-de-France, hier soir, dans la grande

salle de la Philharmonie de Paris, sous la direction d'Enrique Mazzola. En pleine forme pour

ce premier concert de l'année dans leur lieu de résidence!

J'avais une place dans un coude du premier balcon, et voyais l'orchestre

de trois-quarts dos, et le chef de trois-quarts face.

La salle était remplie de public, encore plus que pour le Te Deum de samedi 21 janvier, puisqu'il

n'y avait pas de choristes, dont les places avaient été occupées par des auditeurs.

Le programme annonçait de la musique d'Europe du nord: en première partie, une création de

Daniel Nelson, compositeur contemporain qui vit actuellement en Suède, suivie d'un concerto

d'Edvard Grieg, et en deuxième partie, une symphonie de Piotr Illitch Tchaïkovski.

Daniel Nelson était dans la salle, et monta sur scène nous expliquer sa création, intitulée

"Steampunk Blizzard", avec l'aide d'Enrique Mazzola. Nous apprîmes que la ligne directrice de sa composition,

créée à la demande de l'Orchestre national d'Ile-de-France, lui avait été inspirée par l'idée d'une rencontre de Tchaïkovski

avec une machine à vapeur produisant de la neige, chacun étant dans un rôle musical, Piotr Illitch et la machine.

Le morceau était écrit en 7/8 (des mesures de 7 croches, inhabituel!) et le chef d'orchestre, taquin, lui demanda de

nous chanter le résultat obtenu... A coup de poum tchac pschhhhh, syncope, le compositeur y parvint, déclenchant

l'hilarité du public, par sa reconstitution vocale rythmée de l'activité mécanique de l'engin. Il y avait dans les percussions

une boîte de conserve, et un disque de frein, dûment référencés dans la partition du percussionniste (j'ai surveillé!)

La version musicale donnait une alternance de cordes (Tchaïkovski) et de poum-tchac-pschhh produits

par les cuivres et les percussions essentiellement (la machine), dialogue du troisième type. Il me vint à

l'esprit que Nelson faisait l'inverse de ce que pratiquaient les romantiques: eux musicalisaient des sons réels par les

instruments, Nelson, lui, utilisait les instruments de musique pour produire des sons triviaux rythmés.

Nous avons bien ri, et l'oeuvre nous a bien plu. Daniel Nelson est remonté sur scène

pour saluer, et recevoir un bouquet de fleurs (ci-dessous).

Le concerto pour piano en la mineur de Grieg date de 1868, il fut créé l'année suivante à Copenhague.

Grieg avait alors 25 ans... Un pianiste français, Raoul Pugno, imposa le concerto pour piano en 1894

à Paris, avec Grieg lui-même à la direction. Le livret cite Adolphe Boschot qui décrit ainsi l'exécution

du concert "Tandis que Raoul Pugno pétrissait le clavier d'où jaillissait un poétique sortilège de sons

veloutés et caressants, Edvard Grieg, dirigeant l'orchestre, faisait valoir la délicatesse de son style,

sa tendresse nostalgique, ou ses ressauts de fièvre et de passion." Je cite parce que je ne saurais

mieux dire l'impression de douceur et de poésie que dégageait ce concerto, subtilement interprété

par l'extraordinaire pianiste Alexander Gavrylyuk (et par l'orchestre, naturellement). Et Tchaïkovski

d'ajouter: "Que de chaleur et de passion dans ses phrases chantantes, quelle vitalité bouillonnante dans

ses harmonies, quelle originalité charmante dans ses modulations spirituelles et piquantes, et dans

ses rythmes, qui sont, comme tout le reste, toujours intéressants, neufs et personnels! Si l'on ajoute à

ces rares qualités une simplicité totale, exempte de toute recherche et de toute prétention à des

profondeurs et des nouveautés inouïes, on comprend que Grieg soit aimé de tous et soit populaire partout."

Tout est dit! Vous aurez compris que Tchaïkovski était le fil rouge de ce concert! A la fin du concerto,

le chef d'orchestre et le pianiste tombèrent dans les bras l'un de l'autre, le pianiste fut très applaudi,

sortit, revint, et reçut des fleurs dont il fit galamment présent au premier violon (qui est une dame).

Autant le concerto de Grieg était douceur et poésie contemplative, autant la cinquième symphonie de

Tchaïkovski était sonnante et vigoureuse. Créée à Saint-Petersbourg en 1888, après plusieurs années

de faible création musicale consécutive à des problèmes de vie privée, l'avant-dernière symphonie de

Tchaïkovski est bien reçue par le public mais pas par la critique, ce qui plonge le compositeur dans les

affres du doute sur sa valeur personnelle et celle de son travail... Heureusement, il part la donner ailleurs

qu'en Russie, et c'est à Hambourg, l'année d'après que public et critique s'accordent à le réhabiliter

complètement.. La symphonie est dotée d'un motif récurrent, ce qui est unique dans les symphonies

du compositeur russe (à l'instar de ce que l'on a pu trouver chez Beethoven ou chez Brahms).

Les indications du dernier mouvement en restituent l'image brillante que j'ai gardé: "andante

maestoso con fiamma" et  "presto molto furioso". Tous les cuivres étaient de sortie, même le tuba, et le

percussionniste, qui avait remisé le disque de frein précédent jouait des timbales avec beaucoup d'entrain.

Ce concert présenta une particularité rare à la Philharmonie: des auditeurs enthousiastes applaudirent

après chaque mouvement! Je l'ai trouvé divers dans les styles mais brillant en tout.

L'orchestre fut très applaudi, bissé, et Enrique Mazzola reçut le troisième bouquet de fleurs de la soirée!

Ce fut le retour en beauté d'un orchestre que manifestement son public attendait!

Une très belle soirée, merci à toutes et à tous.

Sylvie, blogmestre

J'ai pu assister hier soir, 21 janvier, au premier concert du 40è anniversaire du Choeur de l'Orchestre

de Paris (plusieurs autres concerts ont eu lieu aujourd'hui 22 janvier, c'était un week-end d'anniversaire).

Le Choeur de l'Orchestre de Paris a été créé en 1976-1977 par Daniel Barenboïm et Arthur Oldham.

  Il fut le premier grand choeur français à vocation symphonique composé de choristes amateurs,

associé à un orchestre professionnel. Pendant longtemps, il ne fut composé que d'adultes.

J'avais acheté un billet d'occasion la veille au soir, la salle étant complète. Le premier concert du

Choeur de l'Orchestre de Paris, lors de sa création, fut le Te Deum de Berlioz, qui resta une

oeuvre emblématique de cette formation, une sorte de carte de visite. Le choeur d'enfants date

de l'arrivée de Lionel Sow, à la direction du Choeur de l'Orchestre de Paris, en 2011.

Le choeur et l'orchestre de Paris, en ce 21 janvier 2017, étaient dirigés par Bertrand de Billy.

J'étais au 2è balcon latéral, à l'extrémité de l'une des volutes, au premier rang.

Voici la salle et l'orchestre pour la première partie du concert.

Le programme se composait en première partie de la symphonie n°2 de Henri Dutilleux, dite "Le Double",

pour grand orchestre et orchestre de chambre (c'est la disposition que l'on voit sur la photo ci-dessus).

Elle fut créée en 1959, et comporte, au premier rang entourant le chef, une douzaine de musiciens

représentant chaque famille instrumentale, qui forment l'orchestre de chambre, ainsi qu'un clavecin

et un celesta. L'orchestre symphonique entoure ce petit orchestre, et les deux formations s'opposent

ou se répondent. Au début, j'étais bien attentive à ce jeu entre les deux orchestres, puis il arriva un moment où

les sons se noyèrent pour moi un peu les uns dans les autres, faute de mélodie localisable. Enfin, à défaut de

pouvoir commenter et évaluer de la musique contemporaine, j'appréciai le jeu instrumental et la direction.

Après l'entracte, la scène fut débarrassée des instruments excédentaires (clavecin et célesta), et les choristes enfants

(en chemises blanches) firent leur entrée, alors que le public n'avait pas encore regagné ses places. Ils s'installèrent

latéralement, des deux côtés de l'orchestre. Puis ce furent les choristes adultes (en noir), qui s'installèrent dans la corbeille

à l'arrière de la scène, et sur la scène, derrière l'orchestre. Il y avait donc trois formations distinctes de choristes.

La seconde partie commençait par une création de Philippe Hersant pour grand choeur,

orgue et orchestre, intitulée "La lumière et l'ombre", créée à la demande de l'Orchestre de Paris,

spécialement pour cette soirée, avec cette formation exceptionnelle de grand choeur destiné à

chanter le Te Deum de Berlioz, le grand orchestre, et le grand orgue (tout était grand!)

Le compositeur avait choisi un texte à la mesure de cette démesure, un poème en allemand de Novalis,

de 1802, intitulé "Le chant des morts". L'écriture vocale en était essentiellement verticale, harmonique,

comme un choral. Voilà une musique contemporaine que je comprenais mieux! De ma place au 2è balcon,

je voyais les sous-titres (habituellement je suis à l'arrière scène où on ne les voit pas), et pouvais apprécier la

poésie de Novalis. Il y eut un décalage dans les dernières traductions, et les choristes avaient arrêté de chanter

quand les dernières phrases traduites du poéme s'affichèrent, curieusement "Bientôt, bientôt, nous t'aurons entravé"...

puis "Terrestre esprit, ton temps est révolu.", des phrases presque menaçantes en l'absence de mélodie!

Une oeuvre démesurée et grandiose, que j'ai beaucoup aimée. Je n'étais pas la seule, Philippe Hersant

était dans le public, et monta sur scène sous les applaudissements rejoindre Bertrand de Billy.

Après l'oeuvre poétique mise ne musique par Philippe Hersant, il y eut le Te Deum de Berlioz.

Le Te Deum est une prière chantée non liturgique, qui fut utilisée au cours des siècles pour célébrer

les victoires ou attirer l'attention divine sur une cause, ou remercier le ciel de ses bienfaits.

Le texte est toujours le même, et les compositeurs qui se sont frottés au Te Deum sont légion,

produisant des oeuvres par essence glorieuses, auxquelles les grands choeurs conviennent bien.

J'ai chanté les Te Deum de Charpentier, Verdi, Bruckner, avec des effectifs pléthoriques, ce sont des oeuvres

formidables à chanter pour un choriste, qui a l'impression que chacun est doté d'une puissance extraordinaire.

Mais je ne connaissais que les Te Deum de vingt minutes, celui de Berlioz en fait cinquante!

On apprend dans le livret qu'il aurait rajouté des paroles... mais en lisant le texte du Te Deum proposé,

je constate que c'est le même que j'ai chanté pour les autres compositeurs, la coquetterie de Berlioz consistant

à avoir permuté des portions de phrases. L'oeuvre date de 1849, elle est dédicacée à Son Altesse

le Prince Albert, et fut créée en l'église Saint-Eustache. Elle est bien destinée à 3 choeurs.

Le grand orgue, pour sa part est là pour dialoguer avec l'orchestre, selon Berlioz (c'est en effet le

seul instrument qui puisse s'imposer sur cette nuée de musiciens vocaux et instrumentaux).

Ma place au 2è balcon s'avéra  remarquable, car j'avais le choeur en face, l'orchestre à gauche, et le grand orgue

à droite, et profitai pleinement des dialogues instrumentaux, l'orgue ayant une voix puissante, mais flûtée.

L'oeuvre était magnifique et magistrale, et fut magnifiquement interprétée. Le public fit un triomphe

au chef, aux musiciens, au ténor solo, aux choristes et à leur chef de choeur, Lionel Sow.

L'apparition de leur chef de choeur sur scène déclencha les applaudissements frénétiques

de ses choristes, grands et petits...

C'était un très beau concert, qui a été enregistré en vidéo.Quand je suis sortie de la grande salle,

vers 23h, après avoir bien bissé avec le public, la scène chantait "Joyeux anniversaire"...

Bon anniversaire, le Choeur de l'orchestre de Paris!

Sylvie, blogmestre

PS: le voici, le concert, tout frais issu du site live de la Philharmonie!

Hier soir le Choeur Philharmonique international avait la répétition générale de son concert de 20è

anniversaire, à l'UNESCO. Nous avons chanté trois heures, la Misa criolla d'abord,

avec des instruments sud-américains, puis le reste du programme, composé d'extraits

d'oeuvres classiques ou lyriques, accompagnés au piano électronique.

Ci-dessus, une photo du choeur et des instrumentistes (tout au fond, la scène est toute en longueur),

vue depuis l'extrémité des sopranes, à la fin de la Misa criolla, sous la direction d'Amine Kouider.

Et ci-dessous, un petit extrait vidéo pris sur le pouce, en guise de teaser du concert, c'est le début

du Va pensiero, extrait du Nabuccho de Verdi, toujours dirigé par Amine Kouider.

Le son sature encore un peu après correction, j'en suis désolée, j'étais trop près des sopranes...

Sylvie, blogmestre

Hier dimanche, après la répétition chorale très intensive du samedi, j'eus du mal à partir à l'heure prendre le RER...

Partie avec un quart d'heure de retard, j'arrivai sans surprise à Saint-Michel Notre-Dame avec le même retard*

J'entendis les voix féminines de la Maîtrise en entrant, elles étaient sept jeunes femmes,

sous la direction de Sylvain Dieudonné, pour animer cette messe grégorienne.

La messe grégorienne fut dite en français et chantée en latin. Les prêtres étaient nombreux, et la

cathédrale comportait des fidèles dans toutes ses parties lorsque j'arrivai, plus tard qu'à l'habitude.

L'Evangile relatait le baptême de Jésus par Jean le Baptiste, et la quête fut faite pour les séminaires.

Il n'y avait plus de feuille grégorienne à mon arrivée, mais j'ai pu chanter par coeur. Lors de la procession de sortie,

les choristes passèrent devant moi, et il me sembla qu'il s'agissait du Jeune ensemble.

La messe de 11h30, avant laquelle je fis une petite sortie, fut animée par les enfants de la Maîtrise, incluant

les plus jeunes, qui entrèrent et ressortirent par le choeur de la cathédrale, et dirigée par Emilie Fleury.

Les enfants chantèrent une messe brève en ré de Benjamin Britten (Kyrie, Sanctus, Agnus Dei),

laquelle, comme le constata ultérieurement Mgr Chauvet, recteur de la cathédrale, n'était pas des

plus faciles. Cette messe comprenait des modulations dans les aigus très appropriées aux jeunes voix

Ci-dessous le Kyrie de la messe en ré de Britten chantée par un choeur d'enfants vénézueliens:

Les annonces nous firent part des conférences du dimanche après-midi, et des auditions d'orgue du

samedi soir. La crèche, elle, est en place jusqu'au 2 février. Nous sommes ressortis vers 12h40, dans

l'envolée musicale du grand orgue, toujours très apprécié des visiteurs de Notre-Dame. J'ai repris le RER vers 12h50**

Sylvie, blogmestre