Le blog d'une choriste parisienne vagabonde

Il y eut, pendant la semaine passée, quatre concerts au Théâtre des Champs Elysées, au cours

desquels l'Orchestre des Champs Elysées, sous la direction de Philippe Herreweghe interpréta les

9 symphonies de Ludwig van Beethoven. Voici les propos préliminaires du chef d'orchestre,

dans lesquels il explique la création de l'Orchestre des Champs Elysées et sa vocation:

J'avais décidé d'aller écouter deux de ces concerts, mais me suis trompée en réservant un premier concert

où je n'ai pu aller (le même soir que le concert Tchaïkovski, le 17 mars). Il ne me restait plus que

la dernière soirée, celle des symphonies 8 et 9, le samedi 18 mars.

J'avais la place R10 du premier balcon côté cour, la dernière de la rangée, d'où l'on ne voit

pas tout l'orchestre, mais d'où l'on voit de près. La salle du Théâtre était pleine.

Le programme avait été édité pour l'ensemble des représentations, ce qui en fait un document

à garder. Jusqu'ici, j'ai gardé tous les livrets de tous les concerts auxquels je suis allée.

L'Orchestre des Champs Elysées joue sur instruments baroques, dont la sonorité est moins puissante

voire plus étouffée que celle des instruments modernes, et qui sont accordés plus bas.

Le concert commença par la 8è symphonie, une "petite symphonie" d'une trentaine de minutes,

 selon son compositeur. Créée en 1814 à Vienne, elle n'a pas les flamboyances romantiques des

symphonies qui l'ont précédée dans la créativité de son compositeur, mais elle est vive et nerveuse,

comportant même une unique transgression parmi ses soeurs: elle n'a pas de mouvement lent. En effet,

le deuxième mouvement est un allegretto scherzando, qui reprend un canon composé par Beethoven

pour son ami Maetzel, l'inventeur du métronome. Le mouvement est rythmé par les sons métronomiques

brefs produits par le basson, ce qui lui donne un effet, selon les auteurs, ingénu, ou comique.

Le troisième mouvement utilise ces cors baroques qui ont des tuyaux circulaires de rechange,

puisque les pistons permettant de changer de tonalité ne se faisaient pas encore à l'époque.

Le troisième mouvement de la symphonie utilise les cors et les bois (ici flûtes en ébène, hautbois et

clarinettes en buis ou merisier, ou autre bois clair, avec peu ou pas de clés). Le quatrième mouvement

est tout en vigueur beethovenienne, avec un finale typique du compositeur, en coups d'archets

successifs, ponctués de silences. Très belle exécution, le chef est applaudi et rappelé.

Mais, si agréable et sympathique qu'ait été la 8è symphonie, celle que le public attendait, c'était la 9è.

C'est pour elle qu'il s'était déplacé en masse et avait rempli tout le Théâtre des Champs Elysées.

L'Orchestre refit son entrée sur scène sous les applaudissements, suivi du choeur, puisqu'il s'agit de

l'unique symphonie de Beethoven dont un mouvement est chanté, le 4è. Le choeur était ici le Collegium

Vocale Gent, ensemble vocal de Philippe Herreweghe.Le choeur fut présent pendant toute la symphonie,

les solistes entrèrent entre le 2è et le 3è mouvement. La 9è symphonie fut créée à Vienne en 1824.

Le premier mouvement s'ouvre sur un trémolo mystérieux, puis l'orchestre prend une dimension

musicale épique, par touches successives, on s'approche du quatrième mouvement, qui est

l'apothéose de la symphonie (et celle du compositeur).

Les clarinettistes étaient arrivés sur scène avec trois instruments chacun, dont ils firent

successivement usage, et les cors changèrent de raccord en cuivre au cours de la symphonie.

Les timbales, qui avaient été très applaudies dans la 8è symphonie, où elles ont un rôle prépondérant,

étaient aussi très présentes dans la 9è. La 9è symphonie dure environ une heure, dont le quatrième

mouvement occupe la moitié, autant que la huitième symphonie entière. Bâti à partir d'un poème de

Schiller, connu sous le titre français d'Ode à la Joie (An die Freude en allemand), le 4è mouvement

est lui même divisé en 4 parties, qui alternent les tonalités, et se termine en ré majeur.

Ci-dessus, l'introduction du 4è mouvement de la 9è symphonie, manuscrit autographe.

Ayant participé à une 9è symphonie de Beethoven avec les Choeurs de Paris 13 et l'Orchestre d'Espoir sans frontières,

donnée à l'UNESCO en 2012, j'attendais impatiemment la partie vocale de l'oeuvre... Le soliste basse donna le

départ alternant les "Freude!" avec le pupitre des basses, puis les trois voix graves entonnèrent le

"Freude schöner Götter Funken" à l'octave grave, repris par les sopranes à l'octave haute.

Les solistes forment ensuite un quatuor, et le choeur intervient à nouveau pour "Ja wer auch nur

eine Seele", toujours aussi haut pour les sopranes et les ténors, qui chantent un véritable morceau

de bravoure. Le Collegium Vocale Gent étant un choeur d'exception, en fait une interprétation parfaite.

Après une nouvelle alternance avec les solistes, le choeur revient sur les "Küsse gab sie uns und Reden",

qui oscillent très haut dans la tessiture aiguë, mais le compositeur a prévu encore plus fort: il y a deux

portées de la aigus tenus après les "Cherub steht for Gott", qui constituent une sorte de mise en bouche, avec

des si aigus. Là, le choriste ordinaire a décroché... il reste quelques téméraires qui se cramponnent collectivement,

on oublie le texte pour ne plus penser qu'aux notes qu'il faut tenir, tenir, tenir, tenir... Evidemment, le Collegium

Vocale Gent ne vit pas de tels affres, cependant, je constate que la facilité évidente du début du 4è

mouvement souffre un peu des aigus tenus fortissimo. Le compositeur a prévu de faire redescendre

ensuite les voix aiguës dans le grave, sans doute pour leur donner un peu de repos. Mais ce n'est que pour

les propulser à nouveau vers les sommets avec le mouvement endiablé de la fin du "Seid umschlungen

Millionnen". Beethoven avait une conception instrumentale de la voix humaine: le choriste est capable de monter

jusqu'au la, ou plus, poussons-le répétitivement à son maximum. Mais, contrairement au violon, le choriste se fatigue!

Les solistes et le choeur ont interprété brillamment ce quatrième mouvement. Je suis heureuse pour ma part,

de l'avoir entendu chanter par un choeur professionnel, et d'avoir pu voir simultanément le choeur chanter, car les

difficultés de la partition sont parfois plus visibles qu'audibles, on voit l'effort physique fourni par les choristes,

qu'ils s'arrangent, auditivement, pour ne pas laisser paraître, c'est la moindre des choses.Le public du Théâtre

des Champs Elysées, qui suspendait son souffle pendant le concert, était en liesse. Les solistes

revinrent plusieurs fois saluer, accompagnés de Philippe Herreweghe, qui circula ensuite parmi

les musiciens pour les faire lever par pupitres (photos précédentes). Les voici à l'avant de la scène:

Après de multiples rappels, les musiciens saluèrent définitivement, et le public ressortit de la salle.

J'entendis derrière moi un jeune homme qui disait que "ça donnait envie de faire du chant", je ne pus m'empêcher de me

retourner et de lui répondre "un conseil: ne commencez pas par cette oeuvre-là!" Il fut un peu surpris, mais la facilité

des interprètes de ce soir était trompeuse! Ce fut un très beau concert, l'apothéose de cette intégrale

Beethoven, mais la 9è symphonie est vraiment une oeuvre difficile à chanter pour des amateurs. Nous sommes

ressortis dans l'avenue Montaigne vers 21h45. Sur le Pont de l'Alma, je fredonnai l'air des Küsse gab sie

uns und Reden, qui est charmant dans sa forme, dansant. Le concert m'avait aussi donné envie de chanter!

Sylvie, blogmestre

Hier soir, j'avais acheté un autre billet d'occasion pour un spectacle de la Philharmonie

qui était à peu près complet, l'opéra La Pucelle d'Orléans de Piotr Ilitch Tchaïkovski par

le Choeur et l'Orchestre du théâtre du Bolchoï, sous la direction de Tugan Sokhiev.

Ma place était au 2è balcon de côté, suspendu, au-dessus du choeur.

L'opéra, en quatre actes et six tableaux, fut créé en 1881 à Saint-Petersbourg. Tchaïkovski était féru

de culture française, et au XIXè siècle, Jeanne d'Arc était à la mode. Tchaïkovski s'était inspiré de

la pièce homonyme de Schiller, de 1801, pour écrire son opéra. Il s'est aussi inspiré de Michelet, de

Wallon, et de Barbier. Ces sources diverses, pas forcément très exactes, donnent un assemblage

un peu hétéroclite, qui surprendra tout Français ayant appris à l'école l'histoire de Jehanne d'Arc,

la bergère de Domrémy partie de Lorraine en 1428  bouter les Anglois hors de France...

La troupe musicale du Bolchoï comprend 100 instrumentistes et 80 choristes.

Ils occupaient hier soir toute la scène de la grande salle de la Philharmonie.

Le concert, qui commençait à 19h, dura jusqu'à 22h40 environ. Il fut divisé en deux parties de

deux actes chacune, et entrecoupé d'un entracte. Dès l'ouverture, on comprend qu'il s'agit d'une

oeuvre que l'on aimera sans difficulté. Elle rassemble la facilité d'écriture de Tchaïkovski, et son

aptitude à séduire le public. Ecrite pour de nombreux instruments, elle est brillante et sonore. Le choeur

est un choeur russe, pas particulièrement un choeur lyrique, mais un choeur qui chante selon la

technique russe, que j'apprendrais volontiers, c'est-à-dire puissamment. Très puissamment. Dans les

passages fortissimo du choeur, je constate qu'il couvre l'orchestre et que les violons se battent pour exister...

Le livret est en russe, avec sous-titres en français.

Ci-dessus le choeur du Bolchoï, les choristes féminines ont une jolie tenue grise dont le haut est en dentelle

sur un bustier opaque, avec des sequins brillants, et des broderies. Il y a vingt choristes par pupitre SATB,

répartis en tessitures 1 et 2. Onze musiciens extérieurs complétaient l'ensemble, des trompettes et

trombones qui s'étaient placés en haut de l'arrière-scène à gauche du chef, et un organiste, le grand

orgue étant situé derrière l'arrière-scène à droite du chef. Les auditeurs des derniers rangs de l'arrière-scène

ont donc profité de la triphonie assez directe, l'orchestre et le choeur en face, les cuivres dans l'oreille droite,

et l'orgue dans l'oreille gauche, oreilles que certains n'ont pas hésité à boucher dans les passages héroïques!

Contrairement aux orchestres français, l'orchestre du Bolchoï n'utilisait pas les protections en plastique transparent

dont sont équipées les formations françaises, pour que les instrumentistes ne se gênent pas entre eux.

On voit ci-dessus Anna Smirnova, mezzo-soprano (en blanc), qui interprétait Jeanne dans l'opéra, ainsi

que Tugan Sokhiev, qui dirigea l'orchestre et le choeur à mains nues pendant plus de trois heures, des

mains très expressives, dont il utilisait les mouvements de doigts pour donner des indications sup-

plémentaires. Ce fut grandiose. La musique, la puissance des musiciens, l'excellence de l'ensemble.

L'histoire utilisée par Tchaïkovski est fidèle dans les deux premiers actes à ce que nous connaissons.

Jeanne, une bergère lorraine, est appelée par des voix célestes à voler au secours de Charles VII qui

est en train de perdre la France dans une guerre sans issue contre les Anglais. Elle quitte Domrémy

pour aller à Chinon rejoindre le roi, et avec sa présence qui galvanise les soldats français, la guerre

tourne à l'avantage de Charles VII. Puis entre en scène un certain Lionel (?), issu de la pièce de Schiller,

dont Jeanne tomberait éperdument amoureuse, ce qui altère le voeu qu'elle a fait de rester pucelle

pour sauver la France. Charles VII est couronné à Reims (c'est là qu'interviennent les instruments extérieurs)

dans le troisième acte. "Lionel" le séducteur fait son retour dans l'acte 4, ce qui nous vaut un duo

d'amour entre Jeanne et lui (Piotr Ilitch, mon ami, vous n'avez rien compris à la psychologie de la petite bergère...)

Finalement, c'est la faute morale que constitue ce sentiment pour "Lionel" (s'il s'était nommé Godefroy

au moins...) qui brise Jeanne. Dans Jeanne la Pucelle, Rivette la faisait courtiser par Gilles de Rais, ce qui paraissait

plus recevable, il est vrai que Tchaïkovski ne pouvait pas s'inspirer de Rivette... Elle accepte d'être châtiée et

brûlée vive pour la rédemption de son péché. Dans le livret, nous apprenons que Tchaïkovski avait écrit

à son frère "En lisant le livre sur Jeanne d'Arc et en arrivant au passage de l'abjuration et de l'exécution,

j'ai eu une terrible crise de larmes. J'ai eu soudain tellement mal, tellement pitié de l'humanité toute entière,

et j'ai été pris d'une épouvantable tristesse". Voici l'explication de l'existence de Lionel et de l'idylle:

Tchaïkovski a trouvé que la vérité crue de l'exécution de Jeanne par l'Inquisition parce qu'elle gênait avec

ses voix célestes était trop violente, et lui a inventé un bonheur terrestre pour atténuer sa souffrance.

Et cette version avec idylle est cohérente pour le romantisme de l'époque de son écriture.

Le choeur et l'orchestre du Bolchoï furent ovationnés à la fin de l'oeuvre, et rappelés abondamment

par des auditeurs ravis de cette magnifique prestation. Nous espérons vous revoir bientôt!

Sylvie, blogmestre

PS: Le 9 mars, j'aurais dû entendre le concert de Nelson Freire à la Philharmonie. J'avais acheté un billet d'occasion,

qui devait m'être remis en mains propres avant le concert. Mais le vendeur avait décidé, contrairement aux

conditions générales de vente, qu'il n'en ferait rien avant le concert...  il m'en a fait part tardivement. Trop tard

pour moi. J'ai par conséquent demandé l'annulation de la vente, ne souhaitant pas faire 30km aller-retour pour

un concert dont l'existence du billet n'était pas certaine. Ce soir-là, je suis donc restée chez moi.

Hier soir, j'ai vu un ballet à l'Opéra Bastille, inspiré d'une comédie de William Shakespeare,

"A midsummer night's dream", mis en musique par Felix Mendelssohn,

et en chorégraphie par George Balanchine.

C'était un billet de galerie, tout en haut de la salle, avec vue très plongeante.

J'avais acheté le billet d'occasion, le vendeur ayant mis le billet à mon nom (voir en fin d'article,

il est actuellement impossible d'obtenir la connexion sur le site Zepass qui me l'a vendu et en détient la preuve d'achat,

dont je ne pensais pas qu'elle serait nécessaire puisque le billet était à mon nom -avec une faute)

Contrairement aux galeries des étages inférieurs, les sièges de la dernière galerie nécessitent

de se pencher sur la balustrade pendant tout le spectacle, avec la tête de côté.

Cependant, c'est un billet à 15€, ce qui mérite bien quelques sacrifices de confort!

Le ballet venait de faire son entrée au répertoire de l'Opéra national de Paris, et il en était à sa

quatrième représentation. L'orchestre de l'Opéra national de Paris, que je voyais très bien dans

la fosse jouait sous la direction de Simon Hewett. Il fut rejoint plusieurs fois par les choeurs

de l'Opéra national de Paris, dont je ne voyais en revanche que le bas des robes des choristes

du premier rang, le choeur étant localisé sous la scène, pendant le spectacle.

De la pièce de théâtre en 5 actes de Shakespeare, Mendelssohn a fait un ballet en deux actes, qui n'en

garde que les grandes lignes. J'ai relu un résumé de l'intrigue selon Shakespeare avant le spectacle, et à

nouveau pendant l'entracte, en ayant malgré tout du mal à comprendre exactement ce qui se passait. Dans la

mesure où il s'agissait d'un songe, on pouvait mettre les incertitudes sur l'aspect ésotérique de l'oeuvre...

Sur la photo ci-dessus, on voit un jeune couple en rouge et un jeune couple en bleu, à l'extrémité de

la scène, entre lesquels il y a un chassé-croisé de partenaires, un duel, des philtres d'amour administrés

par Puck, qui est le gentil lutin malicieux de la pièce, vêtu de kaki, ici avec des cornes de diablotin.

C'est une chorégraphie Balanchine, dont la création est de 1962. Un ballet classique donc avec tutus

blancs ou colorés. Les costumes sont de Christian Lacroix, et ô bonheur, il y a des couleurs qui

différencient les danseurs, des couleurs pastel. Ce sont les élèves de l'école de danse qui

interprètent la chorégraphie, ce qu'ils font très bien. Et il y a, surtout, en ce qui me concerne, la

somptueuse musique de Mendelssohn, composée à deux époques différentes, l'Ouverture, très

connue, qui fut créée en 1827, alors que le compositeur n'avait que 17 ans, et la musique de scène

en 1843, à la demande de Frédéric-Guillaume IV, roi de Prusse. Le 2è acte débute par la célèbre

marche nuptiale souvent utilisée dans les mariages actuels, en concurrence avec celle de Lohengrin de Wagner.

Ci-dessus, la marche nuptiale du Songe d'une nuit d'été.

Les choeurs étaient chantés en anglais  (Mendelssohn avait vécu en Ecosse, et l'original de la pièce est

en langue anglaise, isn't it?) Le ballet durait une heure quarante-cinq, les deux actes étant coupés par un

entracte. La beauté de la chorégraphie classique se suffisait à elle-même sans avoir besoin d'élucider

les mystères de l'intrigue, et les coupes sombres effectuées depuis Shakespeare. C'était un

divertissement coloré, agréable aux yeux, et aux amateurs de grâce chorégraphique (dont je suis).

Le public était un peu différent du public habituel de ces lieux, j'entendis des jeunes gens dirent qu'ils

étaient "plutôt ballet qu'opéra". Je suis "plutôt opéra", mais un ballet de temps en temps réjouit les yeux!

Et surtout, je suis "surtout musique" et "surtout Mendelssohn", ce fut donc une belle soirée.

Voici pour terminer une photo de l'ensemble des danseurs, et du chef d'orchestre, en noir au

milieu des costumes colorés. Le maître de ballet était Fabrice Bourgeois sur ce programme.

Nous sommes ressortis vers 21h45 de l'Opéra Bastille.

Sylvie, blogmestre

En réservant une place au Théâtre des Champs Elysées hier soir pour une opérette

de Jacques Offenbach, je n'avais pas réalisé qu'il s'agissait d'un "spectacle jeune public", c'est-à-dire

d'une adaptation de l'opérette à la durée de concentration des enfants. C'est en voyant la salle

pleine de bambins que j'ai compris... mais ce fut très bien, et la version light m'a tout à fait convenu.

(article mis en ligne à 9h58, regardez dans vos spams....)

S'agissant d'un placement libre, j'étais arrivée un peu plus en avance que d'ordinaire, et essayai plusieurs places.

Finalement, c'est la dernière place de la 2è rangée du premier balcon, côté cour que je choisis:

très jolie vue et place pour les jambes. Voici le théâtre de cette place, c'est le rang N, je crois.

Les jeunes enfants étaient en admiration pour les musiciens dans la fosse d'orchestre...

Le spectacle était présenté par la Maîtrise des Hauts-de-Seine, le choeur Unikanti (qui est

le choeur d'adolescents et d'adultes qui succède à la Maîtrise, et l'ensemble instrumental

des Hauts-de-Seine, sous la direction de Gaël Darchen.

Le programme était destiné au jeune public, c'est à dire qu'il contenait beaucoup d'informations,

mais pas celles que je recherche habituellement ( c'est normal!) Il comprenait des cartes, estampes,

statues, textes historiques, c'est très bien fait (j'apprécie en ex-enseignante!) La mise en scène

  était néo-classique avec anachronismes délibérés : lunettes fluo, éventail à paillettes, baskets, etc...

L'histoire est la suivante: à Sparte, une colombe annonce à Calchas, grand prêtre, de la part de

Vénus (Aphrodite!), qu'un jeune berger, Pâris, fils de Priam, va conquérir le coeur de la reine, Hélène.

Mais Hélène est mariée au roi Ménélas, et a des scrupules. Ménélas ne veut pas lâcher son épouse.

Vénus parvient à l'envoyer en Crête pour libérer les amants. Mais le voici qui revient à l'impromptu,

et chasse Pâris. Celui-ci revient déguisé en augure et parvient à convaincre Ménélas d'envoyer

Hélène à Cythère où elle sacrifiera à Vénus... en sa compagnie. Ménélas accepte!

Ci-dessus les jeunes interprètes. De très belles voix, et un excellent choeur (musicalement parfait).

Les solistes sont issus de la Maîtrise, y compris le rôle titre interprété par Alix Le Saux que l'on voit

sur le programme, et qui est actuellement professionnelle. La mise en scène est soignée, pleine

de détails comiques qui ne viennent pas d'Offenbach mais sont bien dans l'esprit (le grand prêtre

tente de faire un selfie de lui et d'Hélène, c'est un mini-drone qui apporte le message de Vénus,

Ménélas revient couleur écrevisse de son séjour en Crête avec la marque des lunettes... etc...)

Les choeurs principaux que tout le monde (adulte) connait sont tous là, avec des récitatifs solo

écourtés. C'est très bien fait, l'ensemble dure environ 1h20, sans entracte. L'attention des enfants

ne se relâche pas, et aucun bruit parasite n'émane de la salle... Le spectacle se termine sur Hélène

voguant vers Cythère avec Pâris, qui ouvre son manteau sur un T-shirt "I love Paris".

("Dis-moi Vénus, quel plaisir trouves-tu à faire ainsi cascader, cascader la vertu?")

Tous les amis des jeunes chanteurs devaient être dans la salle du Théâtre des Champs Elysées,

qui connaissait une effervescence et des cris inhabituels, mais il me semble que dans les jeunes

années du Théâtre, où l'on cassait les fauteuils pour Stravinsky, c'était pareil... Très bien!

Ci-dessus, les jeunes solistes, l'orchestre dans la fosse, et Gaël Darchen qui est monté sur scène

et que l'on aperçoit en retrait sur le côté. Du très beau travail, et une soirée très agréable.

Merci beaucoup (de la part d'une ex-adolescente choriste des Hauts-de-Seine)

Nous ressortons du Théâtre vers 21h25, après de nombreux rappels.

Sylvie, blogmestre